No.335 / 2025年4月12日発売

MAGAZINE

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LIFESTYLE

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GINZA12月号

『August in Blue』, エハラ・ヘンリー監督

——『August in Blue』はフランス人のディディ（ニナ・アブタジェディン）が、日本の田舎で一人旅をする夏のひとときを捉えています。東京藝術大学の修了作品として、これほど軽やかなバカンス映画を撮ったことに驚いたのですが、どのように考えていったのでしょう？
2024年2月にパリで『パリ症候群』という短編映画を撮影したんですが、その時も主演してくれたニナが「すごい日本に行きたいんだよね」と言っていて。この純粋なモチベーションをキャラクターの原動力として使えたら、パワフルなものを作れるんじゃないかと思ったのが、まず一つ。それに加えて、ephemeral（一時的、はかない）な何か、シンプルに言うと、短いけれど重要な時間、みたいなものに興味があって。
僕は音楽にも目がなくて、好きな曲にもそういうのがいっぱいあります。たとえばアントニオ・カルロス・ジョビンの『三月の水』という曲は、いつもこんな映画を撮りたいなって思うんです。3月はリオデジャネイロでは雨季で、いろいろなものが土砂として流れてくる。そのさまをただ淡々と歌っているだけ。そんなふうに、現在を描写することに興味がある。“now”な映画を作ろうというのは、今回もすごく意識しました。

——バカンスって、“now”の象徴みたいなものですよね。日常と切り離され、独立したモラトリアムの時間だから。
そう。あと何より“アクションムービー”を作りたかった。バカンスだったら自転車に乗るとか、農作業するとか、いろいろアクティビティが面白いかなと。あまり言葉に頼らず、身体的な映画を撮りたかったから。
——ジャック・ロジエやエリック・ロメールらが撮った、南仏が舞台のバカンス映画からの影響はあります？
ロメールで言うと、今回は『夏物語』をすごく観ました。あとバカンスじゃないけど、ロベール・ブレッソンの『白夜』。はじめの方で、ディディが陸にあるボートの上でフラフラとダンスするんだけど、そこで前転するのは『白夜』へのオマージュ。バスター・キートンやチャールズ・チャップリンの映画も参考になりました。彼らは身体で表現する引き出しがすごいから。アーティストだと、写真家のジェフ・ウォール。空間の捉え方に興味があります。

——農家で働く青年チャンス（古賀祐太）が、ディディと草刈りするシーンもチャーミングでした。
古賀くんは僕の映画にほぼ全部出てくれているんですが、いつも驚かせてくれる。あのシーン、脚本上では「二人が草刈りをして仲よくなる」とだけしか書いてなくて。現場で「俺、アイデアがある」と言うので、「OK」ってカメラを回したら、急に草刈りのダンスをしはじめたっていう。ニナもその遊びをわかっていて、多分、二人で僕にサプライズを仕掛けていた。ああいう奇跡を見たかったし、彼らの発想に感動しました。とはいえ自分一人だったらカットしていたかもしれない。でも助監督の濱名（篤史）くんに「ちょっとこれやりすぎだよね？」って聞いてみたら、「いやヘンリー、これが映画だよ」って。
——ディディとチャンス、それからパン屋で働いているエミ（天野ハナ）の3人が仲良くなり、ボクシングの真似をして遊ぶシーンも印象深いです。
あのシーンもマジカルな瞬間でした。撮影の15分くらい前までみんなで昼寝してて、「やばい、もうボクシングを撮らないと時間ない！」って（笑）。それで僕から録音部にお願いして、でかいポータブルスピーカーを現場に持ってきてもらって。20〜30秒前までハードなヒップホップをガンガンかけてテンションを上げ、リハーサルもせずにワンテイクで撮ったんです。それ以外でも、基本的に俳優と同じバンに乗っていたので、次に撮るシーンの雰囲気や質感のある音楽をかけてひたすらDJしてました。

——いい演出！現場で起きたことを重視する姿勢はもとからですか？
映画を撮りはじめてこの4年、自分なりに研究してきて。もう1から10まで全部自分の演出で、ブロッキングで、セリフでというふうに撮ったことも、その真逆でテキストを1行だけ書いて撮影したこともある。今回はその中間を行った感じです。僕がやったのは、俳優がのびのびと自由に生きていられる環境を作ること。風とか光とか、世界をそのまま、あるいはそれ以上に大きく捉えるようなスタンス。メソッド的に「キャラクターをキープして」とか、そういう演出は一切してない。それができたのは、ニナも古賀くんも天野さんもみんな友だちだったからだと思います。
——脚本にセリフは書かれていなかったということ？
撮影直前に「次のシーンではこう言って」と、伝言ゲームのように伝えるスタイルをとりました。ジャン＝リュック・ゴダールや、アッバス・キアロスタミに影響を受けて。言葉よりも身体から入ってほしかったし、リズム的にも即興ラップみたいな感じで、軽やかさが出るかなと。あと、僕が最後の最後まで面白いことを考えられるという利点も。たとえばパン屋で、ディディはスパゲティハンバーグというパンを買うんだけど、あれも当日見て「めっちゃいいじゃん！」って。
——とても日本的なパン（笑）。海外旅行中ならではの「伝わってるかな……？」という微妙なやりとりの感じもうまく捉えられていました。
エミが言った「いらっしゃいませ」に対し、ディディも「いらっしゃいませ」とオウム返しする。あのやりとりが一番面白かったって言ってくれる人が多いんですが、それもその場で思いついたことで。というのも僕自身が、もしわからなかったとしても、現地の言葉を使いたいタイプ。もしイスタンブールのパン屋さんに入ったら、多分ディディと同じことをすると思う。
——ロケ地は長野県の諏訪周辺とのこと。
修了制作の予算内で東京を脱出して撮るとなると、学校のコネクションに頼るのが得策で。三ツ松けいこさんという是枝（裕和）組の美術監督が先生にいて、『怪物』の縁からフィルムコミッションの方を紹介してもらいました。濱口竜介さんの『悪は存在しない』もありましたし、優しく受け入れてくれて。そういえば映画の最後、3人が自転車で向かう森があるんですけど、『悪は存在しない』に出てくる湖に近かった。50メートルくらいの距離でした。
——東京パートも撮影したと聞いていますが、大胆にカットされています。そのパートはどこに入る予定でしたか？
冒頭です。東京の美術館でディディとエミがすれ違うことで、パン屋での再会をパワフルに見せるという狙いでした。当初は女性二人の物語で、もっと会話劇みたいに構築していく予定で。でもチャンスも魅力的だから彼のことも見せたくて、3人になった瞬間のときめきをクライマックスに持っていくことにしました。
——それでいうとディディがエミと向かい合い、黙ってスパゲティを食べるシーンも印象深いです。雨がしとしと降っていて、ラジオからは恋愛相談が流れていて、結構ムーディ。二人はちょっと恋していた？
そうですね。実はもう少しだけ踏み込んだシーンも撮ったんだけど、関係性が近くなりすぎる感じがあって。ない方がむしろ深まるかなと。そうやってカットしたものは本当にいっぱいあって、だけど前後のシーンに生きていると思います。現場でやったことは俳優の体に残るし、フレームの力になる。スパゲティのカットバックの後で、翌朝彼女たちが寝ている姿が映るけど、どこかそれまでにないセンシュアルな感じが漂っているとか。そこに見えないものが残っているのかなと。

——編集段階でもかなり練り直したんですね？
自信を持てないシーンが一つもない、そういう映画を目指していたからです。それはオーディエンスの人たちにただ楽しんでもらいたいから。でも意外だったのは、観てくれた人たちがこの映画に普遍的な価値を見出してくれたこと。フランス人のわりと個性的な女性に共感できるのかなって少し不安だったから、それが不思議だし嬉しかったです。
——誰にでも起こりうる、胸が躍る出会いやちょっとした孤独が描かれていて、私自身も引き込まれました。
今回に限らずですが、愛がある映画を撮りたいというのはあります。愛に言葉はいらないし、平和だしハッピー。自分のアートをやると同時に、僕の祖母から小さな子どもまで、みんなに面白がってもらいたいという欲がある。つまり、「大衆に伝えるには？」ってことをよく考えるんです。愛の映画とは、自分なりに言い換えれば “インテリボーダー”を作らないこと。
——まさに藝大の修了作品で“インテリボーダー”を作らなかったことに、私は驚いたのかもしれないです。
“Life is a dance”みたいなポジティブムービーを作りたいんです。それは単純に、僕自身ポジティブでいることが好きだから。ポジティブでいられるのってすごくラッキーなことだし、可能ならずっとそうでありたい。あと最近思うんだけど、プロセスって超大事。というのはもう映像的には、AIでなんでもできちゃうわけで。だからこそ映画作りのプロセスにおいて、どれだけ人間的な対話をできたり、楽しめたりするかを大切にしたいなって。
——ただ傑作を作れればいいのではなくて。
だって映画を作るのに1年とかかかるわけですよね。その過程に満足がいってなかったら、喜びを見出せない。途中で友だちとケンカしたりしたら、なんか引きずっちゃうなと。なんだかんだ一番重要なのは、結果であり作品。でも個人としては、プロセスは超大事だなと思う。だからこの数年は、信頼できるチームを作ろうとしてきて。世界観を共有できる、優しい愉快な仲間たち。彼らとあまり背伸びしなくても作品を撮れる体制が一旦できたかなというところです。

——映画を志したのはなぜですか？
大学の時にオランダのアムステルダムに住んでいて。毎月15ユーロくらい払うと、ミニシアターで映画見放題になるパスを持っていたので、ゴダールとか、カール・ドライヤーとか、テレンス・マリックとか、いろいろ観ていたんです。それで、ちょうど卒業してからどうしようかなと考えていた頃、小津安二郎の『浮草』を観て、圧倒されたのがきっかけですね。撮影監督が普段と違い、溝口組で知られる宮川一夫が手がけているんだけど、ポップでパンチのある色遣いは『August in Blue』のリファレンスにもしていて。すごく好きな映画です。
——一方でヘンリーさんは、東京のクラブシーンを中心にアートや音楽を発信するレーベル、「tokyovitamin」の創設メンバーでもあります。
それまではずっと音楽を続けていました。tokyovitamin以外でも、ミュージシャンになりたくて、バンドをやったり打ち込みやったり、形にはならなかったけど模索はしていて。そういえばDJって観客の様子を窺うから、映画の勉強にもなると思うんですよね。反応が微妙ならカットするとか、ダイナミックさも大事だし。そういう即興性には、知識というベースが必要だと思います。ビル・エヴァンス・トリオのインタビューでも、「自分たちが即興で演奏できるのは、陰でものすごい努力して、歴史を勉強しているメンバーを集めているから」みたいなことを話していました。
——では本も読みますか？
今はケリー・ライカートの共同脚本も手がけている小説家、ジョン・レイモンドの短編集『Livability : stories（原題）』を持ち歩いて読んでいます。『オールド・ジョイ』や『ウェンディ&amp;ルーシー』の原作が収録されていて。『オールド・ジョイ』は20ページくらいで、軽やかでアメリカンな感じでした。インプットには旅も大事だと思うし、あとはシネマヴェーラとかに、いかに火曜午後3時にサッと足を運べるか。そういうのも結構、藝大に入る前から意識していました。
——好きな監督は？
古典から始めると、ドライヤー、ブレッソン、小津、バスター・キートン、ビリー・ワイルダー、ハワード・ホークス。自分自身、撮り方には古典的な影響がかなりあると思います。同時にやっぱり今の時代性を反映しながら、自分の作家性も発揮して面白いものを作りたい。もう少し最近ならエドワード・ヤン、北野武……この二人の映画からは、ベースの部分で刺激を受けている気がします。それからキアロスタミ、ガス・ヴァン・サント、ライカート。一番影響を受けたのは、アルフォンソ・キュアロン。『天国の口、終りの楽園。』という、二人の男の子のカミングオブエイジ的なロードムービーがあって。そこに映る光や質感は、永遠のインスピレーションです。世界の大きさに圧倒されるというか。
——『August in Blue』についても、「世界を大きく捉えることを意識した」と話していましたね。
藝大の1年目に、僕ら監督領域の4人が入試で撮った作品を、濱口竜介さんに観てもらう機会があったんです。その時に濱口さんが自分たちに言ったのが、「もう少し世界を大きく捉えてみてください」。つまり世界観が小さいと指摘されて。
——それってどういう意味なんでしょう？
ちょっとしたことなのかなと思うんです。『August in Blue』でディディとエミが、自転車を漕いで坂を駆け上るシーンで、ふと通りかかったおじさんと挨拶を交わす。その瞬間、オーディエンスの人たちは彼の世界も想像する。そういうふうに、世界の広がりを説明なしで、余韻で伝えることを意識するようになりました。ちなみにあの男性も撮影直前に出会い、「出てもらえませんか？」ってお願いしたら「いいよ」って。ただ歩いているだけだと寂しいから、小道具としてロープを持ってもらいました。

——濱口監督は鋭いことを言いますね。
改めて、濱口さんの言葉は大きかった。たとえばホン・サンスは世界をミクロに描くことで、かえって大きく表現している。逆説的だけど、それもありえます。僕の興味は、もうそのまま世界を撮りたい。そういうことを考えるきっかけになりました。
——ところで、『August in Blue』というタイトルはどうやって決めたんですか？
いろいろと候補があった中、父と話しながら考えました。父はテキサス州出身のアメリカ人で、映画が好きなのでこれまでもよく一緒に脚本書いていて。詩人でもあるから、今『August in Blue』をテーマにした詩も書いてくれてるんですけど。あとこの映画は、父方の祖母に捧げた作品でもあって。名前はナンシーといいます。
——そんなバックストーリーがあったんですね。
人となりはよく知らないけど、魅力を感じていて。撮影の前に父に数時間、ナンシーについてインタビューをして、情報をワンページにまとめ、ニナに渡したんです。「無理に生かさなくてもいいけど、僕の人生にはこういう人がいて、ディディという役のインスピレーションになっている」と伝える意味で。ナンシーはコーヒー片手にタバコを吸いながら、ずっとクロスワードパズルを解いてるみたいな、ちょっとキュートな人だったみたい。これが写真なんですけど。
——なんだか絵になる人だ。
50代の時は、西海岸のファームでオレンジを積んだり、ロサンゼルスの道端でお花売ったりして働いていたそうです。1回だけ会ったことがあるんですけど、その記憶と父から伝え聞いた話から、アーティストではないにせよ繊細な感じが窺えて、なんとなく親近感がありました。頑張ってるのにパーフェクトにできなくて、イライラしちゃうんだけど側から見たらそれがキュート。ディディのそういう優しくて繊細なキャラクター像は、ナンシーからイメージしたものです。僕は家族のことを知りたいという欲求が強く、そういう意味で今回の映画は超パーソナル。でもやっぱりそのくらい、「この人を描きたい」っていうドライブがないと。
——ドライブがないと映画は撮れない？
誰を映すにせよ、魅力を感じていないときついんじゃないかな。その人とカフェでコーヒーを飲んで話したいというモチベーションがあるかどうかは、キャスティングの基準でもあるかもしれません。

——家族のヒストリーは普段からよく聞くタイプ？
大好きです。母方の祖母とは中国に行く予定があって。満州出身なんだけど、彼女が子ども時代を過ごした家を探したいんです。もう89歳だからラストチャンス。実は家族で映画館を経営していたそう。李香蘭という満州生まれのスターがいるけど、祖母の知り合いが家族ぐるみで友だちだったとか、貴重な話をしてくれて。小津映画もリアルタイムで観ているので、「『晩春』はよかったね」とか、当時の感想を教えてくれることも。目が肥えているから、僕の一番の批評家なんです。
——『August in Blue』も観てもらいましたか？
はい、「いいね」と感想をくれました。結構厳しい人で、本当にそう思わないと褒めないとわかっているから嬉しかったです。

『August in Blue』

27歳のフランス人旅行者ディディは、日本を一人で旅することに。田舎町を訪れるも退屈し、自転車で山を探索。奥深い神社で怪しげな野良着姿の青年チャンスに出会ったのち、自転車がパンクし、古民家で一夜を過ごす。その後、町で出会ったパン屋で働く女性エミと意気投合し、ともに山を駆け巡る。やがて、夏の終わりがやってくる。
監督・脚本＿エハラ・ヘンリー 
出演＿ニナ・アブタジェディン、天野ハナ、古賀裕太、キンタカオ、青野海也 
2025年3月21日（金）21時〜、渋谷ユーロスペースにて上映＋Q&amp;Aを開催 
（＊東京藝術大学大学院映像研究科映画専攻 19期修了作品上映会の一環として） 
©東京藝術大学大学院映像研究科 
Poster Design ©︎Aki Kigoshi

エハラ・ヘンリー

1996年神奈川県生まれ。映画監督。オランダ・アムステルダムでの大学生活を経て、帰国後の2023年、東京藝術大学大学院映像研究科映画専攻監督領域に入学。2025年春に卒業を控える。

現役藝大生によるバカンス映画『August in Blue』が見逃せない！

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