No.338 / 2025年7月11日発売

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GINZA4月号

藍嘉比沙耶「ミル・クレープ2」

── 今回の『ミル・クレープ2』は、2021年の個展『ミル・クレープ』と同じタイトルを冠していますね。
2021年の個展は［アウトライン］［process（プロセス）］［ぺったん］の3シリーズのみでしたが、今回は［form（フォルム）］が加わりました。4つの作品群を並べる展示は初めてなので、とても新鮮な景色です。

本展の16点はすべて新作で、半年以上かけて準備をしました。実は、いつもより小ぶりなサイズにしたんです。これまでの個展はF100号（1620×1303mm）前後のキャンバスを使用していましたが、今回はS20号（727×727mm）前後が多いです。前回の個展で［process］シリーズを描いていたときに、直感ですがS20号がしっくりくる大きさだなと思って。そこから、今回はキャンバスサイズから決めるという、制限のある試みをしてみました。
これまで［アウトライン］以外の全作品は一貫して、キャラクターの頭の大きさを大体同じにしていたんです。筆で描きやすい、ちょうどいいサイズ感。そのため、全身を入れるような絵になると、その分キャンバスも大型になる。ただ、今回の展示はその縛りをなくし、別の形態に変化させたいという思いもあって。なので、頭のスケールからではなくキャンバスサイズから決めて、そこに各シリーズにあう構図と密度を考えていきました。

── 展覧会のタイトル、“ミル・クレープ”の由来は？
言葉自体は、大学1年生のときから使っていました。当時から現在のようなキャラクターをアクリル絵具で描いていたのですが、自分が絵においてもっとも魅力的だと感じる点は何かと考えたときに、絵具が重なっている様だと思って。薄く何度も塗っていく、そのちょっとした層がとても美しいし、完成までの過程が刻まれるのも面白い。その様子を表す単語としてレイヤーもありますが、当時使われすぎていたこともあり、なんだかしっくりとこなくて。その中でパッと思いついたのが、 “ミル・クレープ”。今でも惹かれる言葉なので、さまざまなシリーズを展示するときの総称として、展覧会のタイトルにしています。
インスピレーションのもとである日本の90年代アニメも、私の絵と同様にフラットに見えますが、その裏には背景とセル画という物理的な重なりのほかに、いろんな人が何度も原画を描き直したり色を塗ったりなど、さまざまな過程の重なりがありますよね。

── 藍嘉比さんの作品で、そのレイヤーの過程がもっとも見えるシリーズが［process］でしょうか。
そうですね。真ん中の着色していない部分を見ていただくと、作品として仕上げる前に取捨選択した線がよくわかると思います。
全作品を通して、iPadなどのデジタルツールで描いた絵を、プロジェクターでキャンバスに投影して、そこから鉛筆で下描きを始めるという手法を用いています。鉛筆の線は、プロジェクターから写しとった際のゆらぎだけでなく、自分の目だけで俯瞰しながら修正したときや、腕や手首のスナップで生まれたものなど、それぞれの過程や個性を持っているのが特徴です。［process］は、こういった微細な調整を重ねたラフの後に、最終的な線画を選んで、色付けに至るという段階の一部を露呈させています。そうすることで、鑑賞者に制作背景の情報を共有しているんです。
［ぺったん］も、過程を見せているという点で同様。すべて2枚1組なのですが、その名前の通り、キャンバス同士をぺったんと重ねることで生まれる作品です。

1枚目のキャンバスに絵具をのせたあと、それが乾かないうちに、2枚目の真っ白なキャンバスへと押し付けて、転写させることを何度も繰り返します。右側が1枚目で、絵具がうつりやすいようツルツルとした下地処理がしてあるキャンバスを使用しています。左側は絵具が浸透しやすい生のコットンキャンバスです。細い線はすぐ水気がなくなるので、1本ラインを引いたら、その都度キャンバスを重ね合わせています。同じ箇所をぺったんするのは、基本的に一回まで。そこは戸惑わず、一発でやり切ります。

水平に垂れている線は、キャンバスを立てて倒すという動作を何度もするので、その間に不意に流れた絵具です。また、線画が抜けていたり、にじみ方が急に変わっていたりする箇所も見られるかと思います。こういった線や絵具の切り返しがわかるのも、鑑賞者に過程を共有する試みにつながっているんです。
自分が意図しなかった完成形へと向かう、いわば自分の支配から遠ざかって自立するという感覚はどのシリーズにもありますが、操作できない部分が多い［ぺったん］と［アウトライン］からは特に強く感じますね。

── ［アウトライン］はにじみが特徴的ですが、どのように制作されているのでしょうか？
下地処理をしていないキャンバスに下描きをしたあと、霧吹きで水を生地になじませて、その上に着彩をしています。水浸しのところに絵具をおいていくイメージです。水が乾く前に終わらせないといけないため、色付けは数時間程度で一気に仕上げます。
絵具をのせた瞬間、その広がっていく様子を見るたびに、自分の手から作品がどんどん離れていくような心境に至るんですよね。やっぱり自分の操作が利かないと、作品に理解できない部分も増えてくるので。ただ、100%コントロールしてしまうと“自分のもの”すぎて、作品という感じがしない。作品になったと認識できるのは、絵がひとりでに完成へと向かって“自立”したときでしょうか。
思い描いていた理想とは異なる色の広がり方になって、モヤっとするときもあるのですが、時間を経て改めて見ると意外といいじゃんと思えることも。絵具が予測不可能な動きをする様子が面白いんですよね。そういった意味で、作品という存在を考える機会が多くなったと感じています。

逆に、一番コントロールできているように思えるのが［form］だと思います。その名の通り、キャラクター全体のシルエットやハイライト、ひとつひとつの影、余白など、あらゆる形に注目したシリーズです。

90年代アニメに登場するキャラクターのどこに惹かれているのか考えた際、やっぱり形だなと再認識したんです。日本のアニメは、手塚治虫によって基礎が築かれてから90年代になるまでに、表現者同士が絵の中だけで情報交換をしながら発展させた造形があると思っていて。人間本来のつくりではなく、固有の人体造形の文化や思想があるんですよね。 普通に人体を見て描いていたらありえないような、尖っている輪郭だったり、大きくて硬い質感の髪だったり、現実では起こり得ない影やハイライトがあったり。ほかの描き手が作ったキャラクターを見て、「じゃあ自分はこう描いてみよう」というやり取りが昔から続いた中で生まれた、不思議な絵だと私は解釈しています。その興味深さにとても魅了されました。
なので、自分で作品を制作する際も、やっぱり形というものを無意識にフォーカスしていて。 それをどう鑑賞者に伝えようかなと考えたときに、キャラクターを画面に描くだけという直球の状態で見せられたら、一番理想的だなと。

── 藍嘉比さんが描くキャラクターは、90年代の雰囲気をまといながらも、アノニマスな印象でもあります。
そうですね、90年代アニメのキャラクターの形を吸収したうえで咀嚼して、アウトプットしています。 ただ単に参考にして描いているというよりも、線や面ごとに分解して再構築するアプローチに近いです。良い表現方法だと思ったキャラクターを、頭の片隅に置きながら描くイメージでしょうか。実際に見たものって、潜在意識に落とし込まれたあと、自然と頭の中に出てくるじゃないですか。そのため、私が描く絵柄は自分自身のものだとは思っていなくて。90年代から借りてきた感覚に近いかもしれません。

── 90年代の作品や作家で、もっとも影響を受けたのは何でしたか？
一番は『新世紀エヴァンゲリオン』のキャラクターデザインを手掛けた、貞本義行さんですね。中学生の頃、貞本さんの画集を見たのをきっかけに、キャラクターの模写をし始めました。それを入り口に、さまざまなアニメ作品を鑑賞したり、ネットで90年代アニメのキャラクターの絵を検索するように。ほかにも、『魔法騎士レイアース』『カードキャプターさくら』『機動戦艦ナデシコ』『マクロス7』からも影響を受けたかな。
また、キャラクターの造形はもちろんですが、90年代中頃まで主流であった、セルアニメーション自体にも興味があって。たとえば、キャラクターの周りに少し影が落ちていたりする。キャラクターが描かれたセル画を背景紙にのせて撮影するので、その重ねた隙間によって、ちょっとした影ができるんですよね。こういったアナログな技法であったり、素材だったり、当時だからこそのできあがるまでのストーリーも面白い。
作品の色も、最初はブラウン管を通して映したアニメのような、少しくすんだカラーを使っていました。ですが、実際にセル画を見たらすごくパキッとした発色だったと知って。それ以来、色彩をかなり鮮やかにしました。最近はさらに変わって、色をあまり混ぜたくないと思い、チューブから出した絵具そのままの色を積極的に使っています。やっぱり本来の色が一番きれいだなと。私自身、高校生から専門的な美術教育を受けていたからか、混色をしなければという思い込みがあったのかもしれません。たまに色を混ぜないといけない状況もあるのですが、なるべく避けたいというのが本心ですかね。

── 描かれているキャラクターは、何か設定があるのですか？
ないですね。幼い頃から本当にキャラクターばかり描いていたのですが、昔から設定を愛でる気持ちというものがありませんでした。子どもの頃、みんな自分のオリジナルキャラクターに名前をつけたり、プロフィールを考えたりするじゃないですか。私はずっとそういう感覚がなくて。今思えば、幼少期からキャラクターをモチーフとして見ていて、その造形だけに惹かれていたのかもしれません。同じキャラクターを描くこともほぼなくて、一期一会の子ばかりです。
また、性別もなく、自分の中から自然に生まれ出てきたキャラクターを描いています。髪が長いので女性的に見えるかもしれませんが、胸の膨らみがなかったり、ポーズや表情も中性的だったり。私が描いているときに感じている、「どっちでもない」という心境が鑑賞者にも伝わればいいなと。

── 最近、韓国での展示もありましたが、今後は海外での活動も増えますか？
そうですね、いろんな人に作品を見てもらいたいので、さらに機会があればうれしいと思っています。実は、私のInstagramのフォロワーも半分以上が海外からで、特にアメリカや中国、韓国などの方々に見ていただいているようです。
今回の展示は、渋谷PARCOという立地上、ふらっと立ち寄る方も多い。初めて私の作品に触れる人を想像しながら、その中で自分のやりたいこと、鑑賞者が見たいもの、両側面をかなり考えながら新作を描きました。 結果、私自身、新しいものが生み出せたなと実感しています。

『ミル・クレープ2』

会期＿開催中〜6月30日(月) 
会場＿PARCO MUSEUM TOKYO 
住所＿東京都渋谷区宇田川町15-1 渋谷PARCO 4F 
時間＿11:00〜21:00 (最終入場20:30、最終日18時閉場)

藍嘉比沙耶

あおかび・さや &gt;&gt; 1997年生まれ、静岡県出身。東京造形大学卒業。自身が生まれた90年代に発表された日本のアニメキャラクターからインスピレーションを受け、作品を制作をする。作家名は、姉と高校生の頃につけたSNSのハンドルネームから。最近ハマっているのは、ガールズグループのXG。「パフォーマンスはもちろん、自分のやりたいことと世界や大衆に向けての見せ方のバランスが秀逸だと思っています」

90年代アニメキャラクターの美学とは。ペインターの藍嘉比沙耶にインタビュー

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